NEOEXPRESIONISMO

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.

El neoexpresionismo de origen trans-vanguardista, con la recuperación expresiva de la pintura y la reivindicación de la subjetividad del artista, apareció como una explosión que produjo un alud de adhesiones y de rechazos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.

Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

AUTOR: Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental. Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.

OBRA: “Desnudo Masculino”. Para representar a este hombre desnudo, Baselitz ha utilizado violentas pinceladas y trazos de dedos, consiguiendo así un fuerte impacto casi diríamos que una cierta agresividad, que contrasta con la serenidad pensativa del hombre sentado.

Baselitz representa a este hombre con crudeza, la imagen es sencilla, sin ningún toque que distraiga, en un decorado casi teatral. Pero llama la atención que la figura está “boca abajo”, como si el cuadro se hubiera colgado al revés, en un intento de acercar lo figurativo a lo abstracto, llegando así a los aspectos básicos de la composición y desligando el contenido de la forma. El espectador puede así concentrarse en la expresividad de las pinceladas, dejando de lado, pese a la importancia que subyace en pintura, el motivo representado.

HIPERREALISMO

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y forma la iconografía de lo cotidiano. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el Pop Art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del Pop Art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

Características:
• propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía
• el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
• el extremo acabado de las pinturas los pintores hiperrealistas tratan de no dejar marcas de pinceladas sobre el lienzo hasta casi hacer parecer que una persona no fue capaz de hacer semejante trabajo.

AUTOR: Chuck Close.

Nació en Monroe, Washington. En 1964 obtuvo el doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Yale. En 1964 y 1965 estudió en Viena (Austria) gracias a una beca Fulbright. De 1965 a 1967 fue profesor de Arte en la Universidad de Massachusetts, en Amherst, y posteriormente se trasladó a vivir a la ciudad de Nueva York. Pintó su primer cuadro a partir de una fotografía en 1966 y en los siguientes años realizó una serie de retratos enormes en blanco y negro. El sistema de cuadrícula estaba muy extendido entre un grupo de pintores conocidos como hiperrealistas. En 1970 comenzó a pintar retratos en color y en las siguientes décadas pasó del hiperrealismo a una forma de realismo más abstracto. Comenzó, por ejemplo, a añadir a cada cuadrícula su huella dactilar, que entintaba previamente en una almohadilla, como en el caso de Robert/Huella dactilar cuadrada II (1978, Colección de Julius E. Davis).

Obra: "Gran autorretrato", Chuck Close.

Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato.

Este autor logra rearmar la fotografia, logrando ir más allá al no ser el papel “quemado” el soporte de fuerza en la obra y si ser el soporte la malla, consiguiendo asi una sensación más calida en cuanto a la variedad de material, logrando tambien sacar de la realidad la verdadera imagen y poner un toque de el mismo en la obra.

OP ART

Este movimiento plástico surgido a fines de la década de 1950 busca producir la ilusión de movimiento en la superficie de un cuadro a través del uso de colores, luces y sombras. Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella y Josef Albers son algunos de sus más destacados representantes.
Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
El Arte Óptico se caracteriza por varios aspectos:
-La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
-Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
-Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
-En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
-El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos. El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.

AUTOR: Pintor y escultor óptico y cinético húngaro. Abandona los estudios de medicina que comienza en Budapest para dedicarse de lleno a las artes en 1927. Es discípulo de Walter Gropius y de Moholy-Nagy, miembros de la Bauhaus, que influyen en su obra al igual que Kandinsky. Se dedica a la publicidad en 1930, cuando se establece en París. Diez años más tarde realiza su primera exposición, en la que se aprecia su estilo propio, enmarcado dentro de la abstracción geométrica y caracterizado por la combinación de colores de forma que producen la ilusión visual de movimiento. Favorece la producción en serie de una misma obra oponiéndose al concepto de establecer el valor por su singularidad. Escribe sobre la plástica bidimensional y el cinetismo en su Manifiesto amarillo. Son importantes sus colaboraciones en obras arquitectónicas, entre las que se cuentan la Universidad de Caracas, la Universidad de Bonn y el Ayuntamiento de Maubeuge.

OBRA: Su obra se caracteriza por estar formada de figuras geometricas perfectamente trazadas; todas con un toque unico que caracterizaba a Vasarely, su agudo y preciso sentido de ilumacion y profundidad hacian las obras de Vasarely practicamente unicas.

POP ART

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El Pop Art se divide en cuatro fases
• La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.
• La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.
• La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa. • Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades. Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".

AUTOR: Andrew Warhol (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

OBRA: Marilyn Monroe, Andy Wahrol.
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.

Museos tradicionales VS museos online

Los museos virtuales, en la actualidad, adquieren su “propia vida”. No se conforman con informar y exponer,sino que invitan a la acción y al descubrimiento del visitante virtual.
Son una forma de hacer realidad el deseo de conocer las obras o simplemente las estructuras de los museos reales, cuando los recursos económicos no nos permiten acercarnos a ellos (museos reales) en forma directa.
Sin embargo, los museos reales también tienen ventajas como el hecho de poder apreciar la obra en sus colores y tamaños reales; podemos tocarlas, sentirlas u olerlas ya que el arte no es simplemente una pintura.
A demás, no es el mismo efecto que causa en nuestros ojos ver la obra en forma directa, que a través de un monitor.
En la cuestión económica, los museos reales son mucho menos accesibles que los virtuales, a menos que tengamos un museo real cerca de donde vivimos.

CUBISMO

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

OBRA: LAS SEÑORITAS DE AVIGNON

Las señoritas de Avignon es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.

Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que a principios de los años 20 fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde es una de las piezas más preciadas de la colección.

Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y una nueva etapa en la pintura del siglo XX.

EL AUTOR: PABLO PICASSO

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881 y murió en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973. Fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el grabado, la ilustración de libros, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.

Su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal de Málaga. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que le ocurre a Goya, a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

FAUVISMO

El Fauvismo es el estilo pictórico francés, con características expresionistas, como el uso de colores intensos, sobre todo el verde.La paleta de colores de los foves se destaca por el empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color, colocando colores diferentes de los reales, por ejemplo pintar los árboles de amarillo limón y los rostros en color verde esmeralda. El movimiento surge a raíz del Salón de Otoño de 1905, cuando un grupo de artista se presenta a concurso, y ante la incapacidad de clasificar sus obras por el uso de los colores y la forma salvaje de pintar, son colocadas en un salón aparte y calificados de incoherentes. Henri Matisse es el fundador de este movimiento, con su pintura de 1904, “Lujo, calma y voluptuosidad”, que se considera la síntesis del postimpresionismo, y es un manifiesto del incipiente movimiento fauvista. Cuando esta obra se expuso en la Sala de los Independientes del Salón de otoño de 1905, causó sorpresa en todos los presentes, por el uso subjetivo del color y la simplificación del dibujo. El nombre fauvismo, surge del crítico de arte Louis Vauxcelles, que describe el trabajo de estos artistas como “Donatello entre las fieras”. Fiera en francés es Fauve, de allí Fauvismo. Esta denominación peyorativa agradó al grupo, que la adoptó de inmediato.

CARACTERISTICAS: *El fundamento de este movimiento es el color liberado respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática: *Colores Primarios: rojo, amarillo, azul *Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde). *Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta. *En esta búsqueda tan marcada por el color, van a olvidarse otros aspectos como el modelado, el claroscuro, la perspectiva la va a traducir en el uso de toques rápidos, vigorosos, los trazos toscos y discontinuos, la distorsión, es decir, todo lo contrario, aquello que da la sensación de espontaneidad. Parece como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera. *Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento. Esto es importante porque tendrá una percepción de la naturaleza y de lo que les rodea en función de sus sentimientos. *El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se va a olvidar de él. También va a destacar un aspecto decorativo y líneas onduladas. Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico. *Con respecto a los temas, van a ser muy diversos: algunos pintarán el mundo rural, otros el ámbito urbano. Los habrá que pintan desnudos, interiores. El aire libre y la alegría de vivir también van a ser recurrentes para otros.

OBRA: ARMONÍA EN ROJO
Armonía en rojo fue encargada por un marchante ruso. En principio iba a ser realizada en azul, pero Matisse se decantó por el rojo, uno de sus colores preferidos por su gran carga expresiva. Se ha suprimido la sensación de profundidad, primer y último plano comparten color y elementos decorativos comunes. Se anula ambién el claroscuro y el modelado. La pintura se aplica de forma pura y los colores primarios: rojo, amarillo y azul son los predominantes. Los colores secundarios: violeta, naranja y verde aparecen en ciertos detalles. Se combinan arabescos vegetales curvilíneos con líneas rectas. El dibujo aunque relegado a una categoría secundaria se realza a veces con trazos negros. La pintura se expande, los objetos no aparecen enteros en el cuadro parece como si quisieran liberarse de la esclavitud de la rigidez del marco, convirtiendo la pintura en una explosión cromática de optimismo y vitalidad.

AUTOR:
Henri Émile Benoît Matisse

Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.
Nació en Le Cateau-Cambrésis, una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas. Inició estudios para seguir la tradición familiar, pero durante una convalecencia empezó a pintar y entonces descubrió su vocación. Se trasladó a París, asistió a cursos en la Academia Julián y en 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes a las órdenes de Gustave Moreau. En estos años finales del siglo XIX se inicia su intensa relación con Rouault y Marquet. Sus frecuentes visitas al Louvre por indicación de su maestro provocarán sus inicios tradicionales hasta que contactó con Pissarro, evolucionando hacia el Impresionismo, realizando numerosos paisajes. El divisionismo y Cézanne también influirán en estos momentos iniciales. Pero será el fauvismo el estilo que marque definitivamente sus trabajos, caracterizados por la simplificación del natural debido a la supresión de detalles, otorgando enorme importancia al color, que protagoniza la mayor parte de sus obras.